Une visite à la clinique acupuncture pour aider la créativité

Comme le dit le slogan : un esprit sain dans un corps sain. Tout dépendant des artistes, certain ont de l’inspiration si tout va bien dans leurs vies, d’autre c’est absolument le contraire! Il y a des personnes qui ne puisent l’inspiration que dans les problèmes auxquels ils doivent faire face. Cependant, pour ceux qui sont plus du premier type de personne, pour que tout aille bien, il faut que le corps soit en santé également.

Les clinique acupuncture sont la pour aider à régler tous les petits ou gros problèmes de santé qui pourrait venir démolir votre créativité. Par exemple : le stress, l’anxiété, les problèmes de sommeil et de concentration, l’alcoolisme, la toxicomanie et j’en passe. La clinique d’acupuncture offre des services qui s’apparentent tous à la médecine chinoise. C’est-à-dire que les spécialistes travaillant à la clinique acupuncture pratiquent la massothérapie, le massage Tuina, Le Shiatsu, l’ostéopathie, etc. Des techniques qui sont efficaces depuis des milliers d’années.

Si vous n’êtes jamais allé dans une clinique acupuncture, vous pouvez-vous informez dans votre entourage, c’est très probable que quelqu’un dans votre entourage est déjà eu recours à cette forme de médecine. Pour la créativité artistique, des problèmes comme ceux mentionnés précédemment peuvent faire un blocage au niveau de l’inspiration. C’est un reflex du corps de faire concentrer votre cerveau sur la zone de douleur. Il faut donc régler celle-ci pour pouvoir penser et agir librement.

L’inspiration artistique est différente chez tous les artistes de ce monde, mais s’il y a une chose en commun chez la plupart de nous c’est la difficulté à fonctionner normalement quand nous soufrons. Les traitements de la clinique acupuncture sont efficaces en très peu de séances (il faut aussi tenir compte du problème, certains prennent plus de temps que d’autres).

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Natalie Shau, artiste gothique

source:projet-ivy

Née à Vilnius en Lituanie cet artiste se concentre sur l’art en 3D, les peintures digitales et la photographie.  Ses œuvres  sont influencées par diverses sources telles que la religion, l’horreur, les contes de fée, la littérature et le Gothique. C’est souvent ce qui attire l’attention de ses fans, l’originalité avec laquelle elle se fait remarqué.

La plupart des pièces d’art illustrent une ou des jeunes femmes, souvent entourées de bizarreries (souvent des éléments naturels tel que des feuilles, arbres et animaux). Des petites filles aux airs naïves qui ne le sont pas vraiment ou bien des animaux constitués de plusieurs morceaux d’autres espèces. Les couleurs sont un élément principal, le rouge étant une des plus utilisée. Pleines d’émotions, leurs interprétations peuvent variés. Certes, les œuvres portent toutes à réfléchir, ce qui est selon moi un signe que l’artiste a du talent.

Analyse psychologique

L’élément récurrent est l’innocence, souvent symbolisée par la petite fille qui se retrouve dans une atmosphère complètement à l’opposé c’est à dire: noire, sombre, lugubre et, à la limite, macabre. Cœurs sensibles s’abstenir! Une partie de son art a été consacrée à Alice au Pays des merveilles, une Alice vue d’une autre façon que le conte pour enfant habituel. Une reine de cœurs, mais de vrai cœurs. Certaines des images feraient bronchés la plupart des gens à cause de son univers totalement insolite loin d’un entreposage voiture.

Une autre artiste qui a fait son chemin dans le monde de l’art gothique est Victoria Francès.  Jeune artiste née en 1982 en Espagne à Valence. Elle est vite influencée par la culture gothique, et a produit beaucoup de calendriers, affiche et couvertures de livre.  La majeure différence entre les deux artistes est la mentalité de celle-ci. La première se concentre sur le fantastique le grotesque tandis que les œuvres de Victoria  sont plus religieuses et vampiriques.

 

 

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Le Streetpainting

source:art-website-creative

Le Street Painting est une forme d’art peu conventionnelle qui ne cesse d’intriguer les gens. Souvent, ces œuvres d’art sont en trois dimensions et sont faites de peinture ou de craie. Par exemple, vous pouvez vous promener dans les rues et vous surprendre marchant sur une crevasse qui n’est pas vraiment réelle ou même une tasse de café géante! Imaginez la tête de mes déménageur transport quand ils ont mis les pieds dans une immense tasse de thé! Il y a même des concours pour ces artistes qui aiment littéralement étendre leur art à vu de tous.

En anglais, le streetpainting est une forme de graffiti qui est plus acceptée par la société en général. Elle lui apporte un tout nouveau sens, les artistes qui pratiquent cette forme sont assurés de leur succès. Personne ne peut passé à côté d’une œuvre sans se faire engloutir littéralement dans le monde crée sur l’asphalte et le béton.

Edgar Müller

source:loivuitton

Mr.Müller (aussi Mueller) est un artiste spécialisé dans le street painting. Né en Allemagne en 1968, il est déjà fasciné par la ville, l’urbanisation et les illusions de perceptive. Dès qu’il commence à faire des œuvres artistiques, il se concentre sur les scènes de son village d’origine. À ce moment, son attention est portée plus sur les reproductions que sur la création. À vingt-cinq ans il gagnait des prix, prenait part dans diverses audiences publiques, des ateliers et organisait de nombreux festivals tous reliés au monde de l’art. Il est totalement dévoué à son travail et fait tout en son pouvoir pour préserver la « mentalité » du Streetpainting. Aujourd’hui, Müller est surtout reconnu pour ses peintures surréalistes de crevasses, quelquefois on y voit le monde à l’envers, d’autres sont faites de glace, mais tous sont aussi magnifiques.

Bien sûr Edgar Müller n’est pas le seul streetpainter a être reconnu. Des artistes tels que Tracy Lee Stum, Eduardo Relero, Rod Tryon, Greg Brown et Manfred Stader ont fait leur marque dans l’histoire de la peinture 3D.


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L’art des mots


source: thecomplexmedia

Il existe des milliers de formes d’art et une de mes préférés est les mots. Les paroles de chanson pour être plus exacte. Elles sont appropriées pour toutes les sortes d’émotions et se retrouve partout, dans les centres d’achat, à la maison et sur nos iPod. Je raffole  de tout les styles d’écriture et de mélodies. Quand je peins j’adore écouter de la musique classique ou plutôt maussade, tandis que quand je sors, la musique entrainante est beaucoup plus approprié. Cependant, dans les deux cas, ce sont les paroles sont ce qui m’accroche.

Selon plusieurs sources, l’art est la forme d’expression de l’âme, des sens, des émotions et de l’intelligence. Dans la musique, le style classique est, selon beaucoup d’artiste, une forme d’émotion en temps que tel. Notre culture populaire pousse sous la lumière des projecteurs des chansons beaucoup accessibles au public, en somme qui sont aimées par la majorité.

Adele: « someone like you »

La complexité d’une rupture et la simplicité des phrases qui l’expriment sont les éléments gagnant de cette chanson qui a vu le jour le 24 janvier 2011. La combinaison entre la mélodie au piano, la performance vocale d’Adele et les paroles rendent le tout presque tangible. Cette chanson comparée aux autres hits de son album, 21, dénote plus de vulnérabilité.

« I hate to turn up out of the blue uninvited, but I couldn’t stay away, I couldn’t fight it. I’d hoped you’d see my face and that you’d be reminded that for me it isn’t over”.

Je déteste arriver de nulle part, non-invitée, mais je ne pouvais pas restée éloignée. Je ne pouvais pas résister. J’aurais espéré que tu vois mon visage et que tu te serais rappelé que, pour moi, ce n’est pas fini.


Comme Rembrandt qui dénotait la sensibilité des humains à travers ses toiles ou même l’honnêteté qu’il laissait paraître sur ses autos-portraits; Adele dit tout haut ce que sa séparation lui a fait vivre. Littéralement, le « ménage » qu’elle a du faire dans sont cœur. La jalousie, la peine et les regrets qui suivent après une relation qu’elle pensait pour la vie.

 

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Un petit tour de magie!

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Food Art (Article Sponsorisé)

Source : Mon musee

Le très célèbre Andy Warhol avait fait une œuvre comprenant 32 toiles ayant sur chacune une sorte différente de soupe Campbell. Et oui, il a peint des cannes de soupes! Étrange vous dites? Certains vous diront que ce n’est que des conneries et d’autres vous diront que c’est une œuvre d’art. Mais somme toute, c’est à vous de juger. C’est dans cet état d’esprit que j’ai trouvé sur Internet des œuvres de ma bière préféré, soit la Heineken.

Source : Fine Art America

Celle-ci se nomme la Heineken Green Drake de Peter Strid. Les couleurs dominantes sont bien sur une impressionnante palette de verts. La peinture est magnifiquement faite. Elle a été faite à l’aquarelle sur papier.

Source : Graphix Design

Elle se nomme Heineken’s can et je n’ai malheureusement pas pu trouver l’auteur. Elle a été peinte à l’acrylique et elle représente une canne de bière écrasée.

Source : Jazzy Jesster

Celle-ci est un peu différente des autres. En effet, c’est un gâteau. L’auteur, Jazzy Jester, a du faire son propre gâteau pour ses 20 ans et a décidé de faire un gâteau au chocolat en forme de bouchon de bière Heineken car c’est sa bière préféré. La seule façon que ce vert intense a pu être réalisé fut en peignant le fondant avec du colorant alimentaire mais ça n’a pas ‘’collé’’ donc quand ces amis l’ont mangé, toutes leurs bouches sont devenus vertes!

Source : Krumplicuk

Il n’y a pas de description pour celle-ci mais si j’aurais à m’avancer je dirais que c’est soi un bijou ou une décoration. Peut-importe se que c’est, c’est très originale! Artiste : Krumplicuk.

Comme vous pouvez le voir, Heineken est un assez grand symbole même dans l’art moderne. Cette marque de bière est utilisé au travers le monde pour de multiple raisons autant sur des toiles, sur des gâteaux que sur des bijoux. Voici maintenant la plus récente publicité faites par Heineken!

 

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L’art des vêtements

source: the189

Une des formes d’art les plus véhiculées est la mode. Partout dans les rues, sur les gigantesques panneaux publicitaires, à la télévision, à l’école, en somme partout les vêtements sont un moyen de s’exprimé non seulement pour ceux qui les portent, mais aussi pour leur créateurs. À travers les âges, la mode est également une façon de faire sa place dans la société.

C’est en 1858 que le premier défilé de mode eu lieu. Depuis ce temps les designers et stylistes donne tout leur possible pour faire un spectacle captivant, non seulement par les vêtements, mais aussi par les mannequins et la musique. Le résultat de longues heures de travail, de plusieurs prêt personnel et de création à la vue d’une foule de gens du milieu et de fanatiques.

La création

Basée sur un thème, une idée ou une source d’inspiration la création d’une collection commence par trouver les tissus, la variété de couleur que l’ont veut faire sortir, les accessoires tel que les boutons, les fermetures, les décors, une personne etc. Les designers se classent en deux catégories soit les inspirés de tous ce qui les entoures et ceux qui se fascinent des tissus; Les premiers peuvent se promener dans les rues et trouver source d’inspiration par un bâtiment, les gens ou peut-être même un arbre. Les seconds vont faire le tour de tout les centres d’achat ou magasin de tissus et en acheter un sans plus y penser. Ensuite il laissera le tissu l’inspiré, parfois ils décideront même de le tailler directement sur un mannequin; qui devient par la suite une inspiration d’elle-même. Par exemple, les célèbres et renommés Dolce&Gabbana, prennent surtout inspiration dans la culture et les couleurs méditerranéennes. Pour les vêtements féminins, ils optent pour la sensualité et la joie. Rendant honneur aux courbes féminines, ils ont sut faire de leur vision un empire.

Le dessin

Une des parties importantes du procédé de création d’un vêtement est le dessin de celui-ci. Souvent dans leurs temps libres ces artistes vont avoir une idée subite et vont la faire vivre sur papier.

 

 

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Graffiti

source: montreal-et-ailleurs

Ils sont partout, peu importe la ville ou vous voyagerez vous y trouverez cette forme d’art qui est assez mitigée. Les graffitis, sont depuis le début des temps une forme de libération, d’expression et souvent perçue comme du vandalisme. Pour certaine occasions ça doit être le cas en effet, mais certain de ces artistes veulent seulement exprimés leurs émotions à la population entière. Quelques fois utilisés pour faire passer un message politique, d’autres pour une personne en particulier ou tout simplement parfois pour faire étalage de talent, les graffitis font parler.
Le mot lui-même vient de la langue latine graphium qui veut dire éraflure. Dans plusieurs langue le mot reviens à dire écriture, avec le temps même quelques mots en sont dérivés, par exemple tag qui signifie signature.

Histoire en vrac

-En Turquie on peut voir des publicités sous forme de graffitis pour la prostitution. Des prix et directions sont à l’affiche
- Les prisons, les grottes et les cavernes sont des endroits populaires pour trouver des graffitis comme des vaisseaux de guerre ou biens des bateaux.
-Le premier musée de graffiti vu le jour en 1987 dans l’Oise et couvre plus de 10 000 ans d’histoire.
-Le mur de Berlin a été recouvert d’œuvres pendant la guerre d’Algerie.

source: graffitiart.bloguez

Dans certaines villes les graffitis font partie de la culture générale. À New York, le métro est reconnu pour héberger des centaines de tags et graffitis de plusieurs artistes qui recherchent la popularité. Leur noms et même parfois leur adresse sont lisibles. Ce style de graffiti est vite connu en France sous le nom de graffiti new yorkais, de style hip-hop et urbain, ils deviennent encore plus populaires et visibles. Vers le 21ième siècle, chaque ville développe tranquillement son propre style d’art graphique. Perçu encore dans quelques régions comme du vandalisme, (surtout ceux qui sont faits sur des maisons privées ! Qui sont obligés par la suite de payé pour de l’entretien ménager), il est de plus en plus commun de voir des ruelles qui sont entièrement consacrées à l’exposition des œuvres.

 

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Body painting/ peinture corporelle

source : tattooclick

Que ce soit pour un évènement ou bien tout simplement pour l’art, la peinture corporelle (plus communément nommée body-painting) est un art qui vient chercher les gens. Depuis le début des temps c’est un art qui persiste comme l’herboristerie, nos ancêtres se faisaient des maquillages, quelques fois à signification religieuse ou tout simplement pour l’attrait de ceux-ci. Ils se coloraient avec du charbon de bois, des baies sauvages et même avec du sang d’animaux.

Il existe même un festival pour cette forme d’art, nommé The World  Bodypainting Festival il a vu le jour en 1998 et prend toujours place en Australie. Le festival en tant que tel dure trois jours et il est divisé en trois parties. Premièrement, il y a l’académie où vous y apprendrez des techniques d’airbrush, de maquillage, d’effets spéciaux, de décoration de corps et de maquillage de beauté et/ou de mode. La deuxième partie du festival est le Body Circus, dans une salle de bal surréelle les attractions, photographes et artistes sont à l’honneur. Pour terminé, étendus sur les trois jours, il y a les prix du monde, les prix spéciaux, les expositions, la section télévision et radio et une place du marché.

Histoire et technique

source : photographersdirect

La peinture corporelle est à la base faite avec de l’argile ou bien du charbon et est souvent utilisée pour des rituelles, des transformations sociales ou bien pour marquer un nouvel état. À l’époque contemporaine cet art refait surface et on la nomme création. Elle est donc plus discutée et montrée au public.

Pour ce qui est des couleurs; Les plus communes chez les amérindiens sont le rouge, le noir verdâtre et le blanc. En ordre les matériaux dont sont extraites les couleurs sont l’extrait d’Urucù, le jus de jenipapo et l’argile.

En Afrique les significations des couleurs sont importantes au cœur des artistes. Par exemple le blanc (l’argile) est associé au deuil ou à la purification et le noir est symbole du vide, du néant. De nos jours la pratique de cet art est plus ornementale. Sur les corps on peut voir de plus en plus de tatouages temporaires, de transformation en animaux et même de jungle et de nature.

 

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Andy Warhol

source:  duclock.blogspot

Souvent reconnu pour être le pionnier le l’art pop, Andy Warhol, de son vrai nom Andrew Warhola, est originaire des Etats-Unis, par contre sa famille vient de la Slovaquie et effectuée son déménagement en Amérique avant sa naissance. Dès ses débuts artistiques, il faisait affaires avec de grands noms comme le magazine Vogue, Harper’s Bazaar et le Glamour.

L’artiste se lance à la peinture dans les années 60 et débute avec des images commerciales comme celle d’une canne de soupe Cambell, du célèbre dessin animé Popeye et Coke. Entre les années 1960 à 1970 il se consacre à plusieurs formes d’art. Par exemple, le cinéma, la réalisation et la musique. Le 28 Janvier 1964 exactement, il ouvre un atelier d’artiste situé à New York, la Factory, ce local sert à la fois de salle de concert, de studio de tournage, de salle de projection et de boite de nuit. La place était presque entièrement vouée à la production de superstars. Peu importe si les personnes présentes étaient riches et célèbres ou pauvres, là, elles étaient des stars. Un des habitués de la place est le groupe Velvet Underground est formé de plusieurs artistes, vite  pris sous l’aile de Warhol il fera partit du spectacle Explosing Plastic Inevitable. Le spectacle inclut des performances musicales du groupe, des expositions de films et plusieurs performances et danses des artistesn fréquentant la Factory de Warhol.

La Factory n’avait pas que des aspects positifs et bien vite on y voyait tout simplement une collectivité. L’individualisme n’existait plus et tous portait le nom de Warhol. Même qu’un jour une femme a littéralement tiré sur l’homme et a déclarer qu’il contrôlait sa vie. Plusieurs de ses œuvres portent à confusion, est-ce que l’œuvre est vraiment de Warhol ou bien d’un de ses acolytes?

source: college.brossolette

Une de ses œuvres très reconnue est le portait pop de Marylin Monroe. Étant en amour avec la belle, l’artiste hors du commun trouva l’inspiration pour en faire plusieurs œuvres toutes aussi colorées les unes que les autres.

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